Arte

El arte es una actividad, el producto de esa actividad o la idea que uno tiene de ella, que deliberadamente se dirige a los sentidos , las emociones , las intuiciones y el intelecto . Puede decirse que el arte es propiedad de los humanos o de cualquier otra conciencia, como resultado de una intención, y que esta actividad no tiene una función práctica definida. Consideramos el término "arte" en oposición a la naturaleza "concebida como un poder que produce sin reflexión" ^{[ 1 ]} , y a la ciencia "concebida como conocimiento puro independiente de las aplicaciones" ^{[ 1 ]}.

De hecho, las definiciones de este concepto varían mucho según las épocas y los lugares, y ninguna de ellas es universalmente aceptada. Así, para Marcel Mauss ^{[ 2 ]} , “  un objeto de arte , por definición, es un objeto reconocido como tal por un grupo”. Es por ello que las colecciones de producciones artísticas pueden clasificarse y apreciarse de manera diferente según culturas, autores, instituciones y épocas.

En Europa , desde finales del  siglo XVIII [ ^{3 ] , este} término abarca principalmente los llamados productos de "  bellas artes  " como la escultura , la arquitectura , las artes gráficas ( incluida la pintura o el dibujo ) y también la música , la danza , la poesía ( para tomarse en el sentido clásico del término, designando la palabra poesía tanto la poesía lírica, que corresponde al sentido moderno de la poesía, la poesía trágica, es decir el teatro y la épica) como la literatura. Desde entonces, hemos agregado, entre otros, la imagen en movimiento ( cine , televisión , arte digital ), la actuación en vivo ( teatro , mimo ), la fotografía , el cómic y, de nuevo, más ampliamente, la moda , aunque esto se asocia más comúnmente con el campo de la artesanía en su uso y funcionalidad. La clasificación de las artes sin embargo no es universal y buscar una clasificación unánime parece imposible ^{[ 4 ]} , incluso un anacronismo ^{[ 5 ]}.

Esta concepción del arte como actividad autónoma , como la producción por parte de los artistas de objetos que acordamos encontrar bellos según una preferencia de gusto  , data de los ^siglos XVIII ^y XIX . Pero a menudo se considera que el arte moderno y contemporáneo ha abandonado el confinamiento a las nociones únicas de belleza o estilo atemporal para buscar de manera más general desafiar o incluso ' perturbar ' al observador, por ejemplo mediante la transgresión o la ruptura ^{[ 6]} .

En pleno siglo  XXI asistimos tanto a la proliferación de la noción de arte (absorbiendo civilizaciones antiguas, integrando diferentes medios y haciendo necesario hablar de “artes”, todas con producciones en expansión planetaria exponencial ^[ ref ^{. necesaria]} ) como en al mismo tiempo a su superación por la civilización del todopantalla, que lo mezcla todo. Tal fenómeno nos impulsa a establecer puntos de referencia y no aplicar la noción occidental de “arte” a todo lo que tiene un fin estético en todos los continentes. Para ello, es importante establecer la cronología y la geografía de las producciones en una historia general de la producción humana ^{[ nota 1 ]} .

Etimología y evolución del significado

La palabra francesa "arte" deriva del latín ars , artis que significa "habilidad, oficio, conocimiento técnico". Según el Diccionario de Conceptos Filosóficos , p.  50, “  Ars puede significar también “oficio, talento” , pero también “procedimiento, truco, manera de comportarse” y sólo más tarde “creación de obras” , término que se traduce del griego tekhnè . El significado del término arte ha pasado históricamente del medio al resultado obtenido” . Véase también “Arte” enVocabulario europeo de filosofías: diccionario de intraducibles , dir. Barbara Cassin , Seuil, Dictionaries le Robert, 2004 ( ISBN  2-02-030730-8 ) ( extractos en línea ).

arte y filosofia

Desde al menos la antigüedad, la filosofía se ha preguntado por la naturaleza del arte.

Platón en el Ión mayor e Hipias o Aristóteles en la poética cuestionan el arte como belleza . Sin embargo, la estética antigua a veces difiere significativamente de la estética posterior y la palabra griega τέχνη (technè), que es el equivalente más cercano al francés "arte", designa en la antigua Grecia todas las actividades sujetas a ciertas reglas. Por lo tanto, engloba conocimientos, artes y oficios al mismo tiempo. No todas las musas griegas están asociadas con las artes como se definirán más adelante y la poesía, por ejemplo, no es una “technè” ^{[ref. necesario]} .

La civilización romana tampoco distinguía claramente el dominio del arte del del conocimiento y los oficios, aunque Cicerón y Quintiliano contribuyeron a ello con sus reflexiones. Así, en Galeno , el término "arte" designa un conjunto de procesos utilizados para producir un determinado resultado:

“  Ars est systema præceptorum universalium, verorum, utilium, consententium, ad unum eumdemque finem tendentium ^{[ 7 ]} .  »

“El arte es el sistema de enseñanzas universales, verdaderas, útiles, compartidas por todos, tendientes a un mismo fin. »

En este sentido de la palabra, que prevaleció hasta finales de la Edad Media , el arte se opone tanto a la ciencia concebida como conocimiento puro, independiente de las aplicaciones, como a la naturaleza que produce sin pensar ^{[ 7 ]} . A la idea de regla de producción se suma la consideración del esfuerzo requerido en esta actividad. Cuando se usa la palabra, generalmente se adjunta a un epíteto que la especifica para formar expresiones como "  artes liberales  ", "artes mecánicas", "arte militar",  etc. ^{[ 7 ]} . Y si a veces sucede que las artes liberalesson apuntados por el uso de la palabra no calificada “  ars  ”, estamos todavía muy lejos del significado contemporáneo; la astronomía era un “ arte liberal” mientras que el espectáculo de la “teatral” seguía siendo un “  arte mecánico  ” ^{[ 8 ]} .

Hasta el Renacimiento , no existía una diferencia precisa entre el artista y el artesano  : un “artista” es un artesano cuya producción es de una calidad excepcional. La diferencia comenzará a ser más precisa sólo cuando los artistas comiencen a emanciparse de las corporaciones para jurar lealtad a las academias y al orden nobiliario ^{[ 9 ]} . Fue entonces cuando comenzó a surgir el significado ahora familiar de la palabra "arte": no solo muchas técnicas se separaron de él, sino que también, después del descubrimiento de las reglas de la perspectiva ., el aspecto visual cobrará cada vez más importancia.

La noción de arte comúnmente aceptada en la actualidad se remonta al Siglo de las Luces . Partiendo de una reflexión sobre los sentidos y el gusto, se acaba estableciendo una concepción basada en la idea de belleza . Con Immanuel Kant surge una teoría del arte que define la estética , cuyos principios serán retomados por el movimiento romántico . La importancia de observar las reglas pasa entonces a un segundo plano, mientras que la intención del artista, que apunta a nuestros sentidos y nuestras emociones, se vuelve primordial.

Pero el  siglo XX ^E , por sus prácticas y sus ideologías , pone en tela de juicio todo lo que se pudo haber conservado en el siglo anterior. En particular, cuestiona la existencia de una esencia del arte que se encontraría a través de épocas y civilizaciones, y por tanto el sueño de una definición universal. También subraya la naturaleza a veces ambigua de la relación entre “belleza” y “arte”, por ejemplo cuando la obra de arte representa la naturaleza de una manera aterradora, incluso repulsiva ^{[ 10 ]} .

Es por ello que el discurso europeo contemporáneo sobre el arte entraña un riesgo de anacronismo en la medida en que, según este discurso, el arte implicaría una intención que no necesariamente existe en otros tiempos ni en otros lugares. El arte prehistórico , por ejemplo, se refiere a elementos artísticos como pinturas o esculturas, pero ningún texto especifica si estos elementos estaban destinados a la contemplación, celebraciones rituales u otros usos. En algunas culturas (por ejemplo, india o china ), tales textos existen, pero es difícil determinar en qué medida los conceptos utilizados, especialmente aquellos traducidos al francés por las palabras "solo" o " beautiful  ”, son identificables con los utilizados en Occidente ^{[ 10 ]} . La introducción de una hipótesis de arte inconsciente o involuntario podría permitir sortear este tipo de dificultad.

A menudo damos listas más o menos completas de los campos constitutivos del arte, señalando lo que, siguiendo a Wittgenstein , llamamos "parecidos de familia": el arte se convierte entonces en un conjunto de prácticas y resultados que comparten una serie de rasgos, aunque ninguno de ellos es universal. ^{[ 11 ]} .

La lista clásica de las artes , tal como la propuso Hegel en el ^siglo XIX  en Estética o Filosofía del Arte , sigue sirviendo para algunos de referencia ^{[ 4 ]} . Indica, sin querer ser exhaustivo, que las artes principales son cinco en número: arquitectura , escultura , pintura, música , poesía . Por combinación o por extensión, logramos desarrollar esta lista indefinidamente al agregarle, por ejemplo, danza , cine (a menudo llamado "séptimo arte"),cómics , ópera , fotografía , etc.

Historia del Arte

Las diferentes concepciones del arte y las dificultades para abordarlo en su totalidad ^{[ 12 ]} repercuten en las concepciones de su historia .

En su concepción más clásica, la historia del arte se constituyó en el  siglo ^XIX adoptando sin cuestionar el progresismo y los valores de su época. En esta perspectiva naturalista, que considera el arte como una constante humana, describe las instancias que revelan la “esencia” del arte a través de diferentes épocas.

Pero esta hipótesis de la autonomía de los fenómenos artísticos y su desarrollo inteligible ha sido abandonada paulatinamente en favor de una visión mucho más contextualizada y social. Como señala Antoine Hennion , "El método de la sociología del arte y el de la historia del arte se oponen" , el primero tiende a eliminar lo que el segundo intenta por el contrario espesar ^{[ 13 ]} . Dentro de este marco, la historia del arte obviamente solo puede construirse teniendo en cuenta las evoluciones de la noción de arte y, por lo tanto, debe reconstruirse constantemente.

Otra dificultad está relacionada con el hecho de que contar las evoluciones del arte requiere hacer agrupaciones, la mayoría de las veces por áreas geográficas y por períodos históricos. Sin embargo, la relevancia de tales delimitaciones siempre debe ponerse en perspectiva: ¿cuándo, por ejemplo, se debe separar la Antigüedad tardía de la Edad Media  ? ¿Debería presentarse el arte del Egipto ptolemaico junto al de la antigüedad griega  ? O, si estamos de acuerdo en considerar la poesía como un arte, ¿deberíamos o no presentar los poemas de Léopold Sédar Senghor del lado de las artes africanas?

Como resultado de estos puntos de vista divergentes, las disputas sobre la clasificación de las artes son numerosas ^{[ 4 ]} en la historia del arte y la estética . Claude Roy resume este pluralismo de la noción de arte de la siguiente manera:

“La noción de arte, ya sea arte negro, arte cretense o arte impresionista, sigue siendo imprecisa, inefable e irritante al mismo tiempo. El arte es lo que mantiene vivo al ídolo muerto como ídolo. El arte es lo que en un objeto sigue sirviendo cuando ya no sirve ^{[ 14 ]} . »

Prehistoria

Si consideramos que el arte consiste en construir, esculpir, crear motivos ornamentales, la existencia de un arte prehistórico parece indiscutible. Por otro lado, si vemos en el arte una especie de lujo destinado a museos y exposiciones, es probable que los primeros pueblos nunca pensaran en él ^{[ 15 ]} . Finalmente, si consideramos, de manera más general, que el arte consiste en dirigirse a los sentidos y las emociones de quienes son sus espectadores, es difícil no calificar de artistas a los autores de un cierto número de producciones prehistóricas, como los famosos frescos de la cueva . de Lascaux .

¿Cuál era la función exacta de las esculturas y pinturas realizadas por estos artistas? No lo sabemos con certeza, aunque a menudo se han considerado hipótesis de funciones rituales , mágicas , simbólicas o didácticas . La obra del artista habría tenido entonces probablemente una eficacia “práctica” como objetivo principal, sin excluir una cierta investigación estética ^{[ 15 ]} .

África

África es el hogar de innumerables artes locales que reflejan una amplia variedad de culturas que siguen evolucionando con el tiempo. Estas creaciones fueron consideradas como verdaderas obras de arte sobre todo a partir de principios del siglo ^XX ,  especialmente bajo la influencia de los pintores cubistas . El descubrimiento de este arte influyó notablemente en el arte moderno occidental ^{[ 16 ]} .

Hoy en día, la mayoría de las obras africanas pertenecen a coleccionistas privados, ya que en el pasado los museos descuidaron este arte. Desde entonces, las calificaciones de los objetos antiguos auténticos se han disparado ^{[ nota 2 ]} , y la UNESCO ha llegado a prohibir desde principios de la década de 1990 la exportación de máscaras y estatuas fuera del continente africano ^{[ 16 ]} .

La máscara de madera, que en la mayoría de los casos representa un espíritu, se ha considerado durante mucho tiempo el objeto típico que mejor simboliza el arte africano. Sin embargo, poco a poco fueron saliendo a la luz otras formas y en 1966 se celebró en Dakar el primer Festival Mundial de Artes Negras, presentando la riqueza del arte africano al mundo, con artistas como Ousman Sow , Assane N'Noye , Paul Ahyi o Ashira Olatunde. ^{[ 16 ]} .

Desde 1989 se celebra regularmente en Dakar una bienal de arte africano contemporáneo ^{[ 17 ]} .

En el norte de África , con la llegada del Islam a partir del ^siglo VII  , el arte musulmán sustituyó al arte que imperaba en la Antigüedad Tardía ^{[ 18 ]} . La Gran Mezquita de Kairouan (en Túnez), erigida hacia el año 670 ^y cuyo estado actual data del siglo IX  , es una de las principales construcciones de los primeros siglos del Islam ^{[ 19 ]} .

Asia

El ejemplo del continente asiático muestra claramente la dificultad de establecer clasificaciones de historia del arte basadas en continentes y períodos históricos.

Cómo presentar con cierta coherencia un todo tan grande y tan heterogéneo como el que reúne:

• contextos religiosos: arte budista , las artes del Islam
• unidades geográficas: arte chino , arte japonés , arte tibetano , arte del mundo indio , arte persa , arte dravidiano .

America

La cultura olmeca , entre 1200 a. d.C. y 400 a.C. J.-C. ^{_ _ _} _ _ _ _ _ El arte olmeca se manifiesta por un gran dominio de la escultura y el tallado . Los artistas olmecas elaboraron su arte en arcilla , piedra y madera .así como en algunas pinturas rupestres.

El arte maya se desarrolló durante el período preclásico (2000 a. C. a 250 d . C. ) ^{[ 21 ] , [ 22 ]} , durante las épocas I y II. Recibió influencias de la civilización olmeca . Otras civilizaciones mesoamericanas , incluidas Teotihuacan y los toltecas , la afectaron y alcanzó su apogeo durante el período de la civilización clásica o Época III (alrededor de 200-900 dC ). Los mayas son famosos por su uso del jade ,obsidiana y estuco .

Los artesanos aztecas ( 1300-1519 ) se destacaron en el arte de la máscara de piedra, heredado de los toltecas, que se utilizaba con fines funerarios o religiosos. Pintaron las paredes de sus templos y palacios.

El arte nativo americano es la forma de arte que se originó en América del Norte . Ninguno de los idiomas nativos de América del Norte parece tener una palabra para el concepto occidental de arte. Sin embargo, los objetos diseñados por sus artesanos son hoy considerados obras de arte por derecho propio.

Europa

antigüedad

Aunque geográficamente se encuentra en África, el Arte del Antiguo Egipto , nacido hace unos cinco mil años, es una de las principales fuentes del arte en Europa . Combina estrictas reglas de regularidad geométrica con una aguda observación de la naturaleza. Sus obras no estaban destinadas a ser admiradas por los vivos. Se colocaban en las tumbas de los reyes, y luego gradualmente en las de las personas de menor importancia social, para ayudar a las almas de los difuntos a permanecer vivas ^{[ 23 ]} .

Pero el arte europeo también le debe mucho al Arte de la Antigua Grecia . En sus inicios, alrededor del  siglo  X ^a.C. J.-C. , es extremadamente sobrio y geométrico. Posteriormente, se inspiró mucho en las reglas establecidas por el arte egipcio, particularmente en pintura y escultura.

Hacia el  siglo  VI ^a . de C. J.-C. se produjo una verdadera revolución artística: Los artistas comienzan a liberarse de las reglas del arte egipcio, que imponían representar cada parte de una unidad (de un cuerpo humano por ejemplo) bajo su ángulo más reconocible, a veces a costa de posiciones inverosímiles del conjunto. Liberándose de estas reglas, se permiten representar un pie de frente o esconder un brazo sobre un personaje representado de perfil: sus pinturas y sus esculturas se vuelven así menos estereotipadas, más naturales ^{[ 24 ]} .

Hacia finales del  siglo  VI ^a.C. J.- C. , los artistas griegos son siempre simples artesanos, pero un público cada vez más numeroso se interesa por sus obras. Comparamos los méritos de las diferentes escuelas de arte, de los maestros de las diferentes ciudades. Algunos de ellos, como Praxíteles , se vuelven extremadamente famosos. Un poco más tarde se produce otro desarrollo: mientras que hasta ahora los artistas trataban de evitar dar a sus rostros una expresión demasiado precisa, luego comenzaron a hacerlos expresar sentimientos y el reinado de Alejandro Magno vio aparecer un retrato ^{[ 24 ]} que el Arte de la antigua Romarecogerá y se desarrollará aún más.

Edad Media

El arte medieval abarca un amplio conjunto de épocas y lugares, abarcando más de mil años de historia del arte en Europa , Oriente Medio y África del Norte . Esto incluye muchos movimientos y períodos artísticos, arte regional o nacional, géneros, renacimientos, artesanías y los propios artistas.

Los historiadores del arte clasifican el arte medieval en períodos y movimientos principales, las relaciones entre estos períodos a veces son más sutiles. Estos son el arte celta , el arte paleocristiano , el arte de la migración , el arte prerrománico y románico , el arte gótico y el arte bizantino . Además de esto, cada “nación” o cultura en la Edad Media tenía su propio estilo artístico y estos tienen una existencia individual, como el Arte Anglosajón , el Arte Vikingo o el Arte Islámico en España (por ejemplo la Alhambra ).

El arte medieval incluye muchas técnicas, como el mosaico y la escultura .

La gran mayoría del arte que nos ha llegado de este período cae dentro del ámbito de lo religioso y se refiere a un marco que incorpora tanto el pensamiento teológico o cosmogónico como las funciones litúrgicas propias . A este aspecto estrictamente religioso, todavía es necesario añadir una dimensión social o cívica .. Así, una obra puede ser estudiada y comprendida bajo estos diferentes aspectos: un contenido estrictamente teológico que a menudo se expresará mediante elecciones iconológicas por parte del creador o creadores; una función litúrgica o ceremonial concreta que será un condicionante material de la obra, definiendo a veces su forma, estructura o dimensiones; una función pública de exaltación del patrocinador, donante o receptor.

Era moderna

Para los historiadores, la era moderna , a veces llamada "Tiempos modernos", cubre el período histórico que comienza con el final de la Edad Media . Los historiadores franceses hacen que termine con la Revolución Francesa . Esta convención específicamente francesa no se utilizará en este capítulo, en el que hemos preferido utilizar la convención internacional que hace que la era moderna termine 75 años antes del presente.

^Es habitual iniciar el Renacimiento ^artístico en Italia en  el ^siglo XV ^. Los italianos llaman a este período el quattrocento . Continuó en el ^siglo XVI  cuando alcanzó su apogeo en muchos países europeos. Si redescubre la mitología y el arte antiguo, no constituye sin embargo un paso atrás: las nuevas técnicas, el nuevo contexto político, social y científico permiten a los artistas innovar ^{[ 26 ]} . Redescubrimos y mejoramos considerablemente la perspectiva. Desarrollamos la técnica de la pintura al óleo. Mientras que en la Edad Media la creación artística estaba esencialmente orientada hacia Dios y la religión cristiana, el Renacimiento artístico sitúa al hombre en el centro de sus preocupaciones. Por primera vez, el arte entra en la esfera privada: las obras ya no son solo encargadas por el poder religioso o secular  ; entran en las casas burguesas ^{[ 25 ]} .

 El estilo que sucedió al Renacimiento a principios del  siglo XVII suele denominarse "  barroco " , pero esta palabra no fue utilizada hasta mucho más tarde, por autores que encontraban este estilo grotesco y que consideraban que los elementos del ^{arte [ 27 ]} . La arquitectura barroca utiliza más las curvas y las volutas, se lanza a lo grandioso, como es el caso del Palacio de Versalles ^{[ nota 3 ]} que será imitado en toda Europa. La pintura utiliza más colores y luz. La música de este período ve la aparición deópera _ Este movimiento alcanzó su apogeo en la ^Europa católica en ^el siglo XVIII ^.

En el transcurso del siglo  XVIII , primero en ^Inglaterra , comenzamos a cuestionar los hábitos del clasicismo . Algunos conocedores, deseosos de distinguirse de los demás, buscan la originalidad, particularmente en el campo de la arquitectura que busca nuevas inspiraciones en la China y el arte gótico . A finales de siglo y principios del siguiente, el romanticismo se esforzará por rehabilitar el sentimiento frente a la razón: artistas como Turner evocan, a través de sus representaciones de la naturaleza, las emociones del ser humano frente a los poderes que lo superan ^{[ 29 ]}.

Este rechazo de las tradiciones dio lugar a numerosos movimientos, cada uno de los cuales se adornaba como con un estandarte de un nuevo nombre en “-ismo” ^{[ 30 ]} ( realismo , naturalismo , impresionismo , simbolismo , etc.). También resulta en una mayor complejidad de la relación entre artistas y compradores de obras de arte: el artista ya no necesariamente desea adaptarse a los gustos de sus clientes. Si lo hace, a veces siente que está haciendo concesiones humillantes. Pero si prefiere trabajar en un espléndido aislamiento, corre el riesgo de verse reducido a la miseria ^{[ 31 ]}. Pronto algunos artistas llegan a verse a sí mismos como pertenecientes a una especie diferente y muestran vigorosamente su desprecio por las convenciones y la respetabilidad. En el siglo  XIX , se amplió el abismo entre los artistas de éxito ^y los inconformistas, que fueron especialmente apreciados tras ^{su muerte .}

El Arte Moderno nació a finales del siglo  XIX ^y principios  del XX ^. Ve aparecer en la pintura las figuras de Picasso , Malevitch , Matisse , Miro , Max Ernst y muchos movimientos como el surrealismo , Oulipo , New Wave . Arquitectos como Frank Lloyd Wright se atreven a privilegiar la organización de las habitaciones frente a la ornamentación de las fachadas y abandonar el dogma de la simetría ^{[ 32 ]} .

En Francia, con la modernidad, los pintores se desvinculan paulatinamente del sistema de salones y de la influencia de la burguesía. Los principales coleccionistas, galerías y críticos contemporáneos juegan un papel importante. El mercado del arte se está internacionalizando.

Marcel Duchamp representa al objetor fundador del arte conceptual . No está más apegado a sus precursores que su intención es establecer un arte del objeto. Lo que busca por el contrario es salir del arte. Sin embargo , los ready-mades de Duchamp (de los que es diseñador) y sus objetos cinéticos aportan una nueva dimensión a la conciencia estética, así como una inmensa contribución a la historiografía de la escultura moderna, muy en contra de su voluntad ^{[ 34 ]} .

En el campo de la pintura, se dio un paso decisivo en la década de 1910 cuando Kandinsky se atrevió con el arte abstracto , que no representaba sujetos u objetos del mundo natural, real o imaginario, sino solo formas y colores por sí mismos.

En este momento, incluso cuando no se renunciaba tan radicalmente a la representación de un tema, muchos artistas creían que lo que importa en el arte es la forma primero, y el tema en segundo lugar ^{[ 35 ]} . Están en constante búsqueda de novedades. Con el surrealismo , se busca incluso crear algo más real que la propia realidad ^{[ 36 ]} , para intentar alcanzar una "realidad superior" ^{[ 37 ]} .

Época contemporánea

Cuanto más nos acercamos a nuestro tiempo, más difícil resulta ^{[ nota 4 ]} , en medio de modas efímeras, distinguir las creaciones que, por su influencia, forman parte de la historia del arte ^{[ 38 ]} . Sin embargo, parece que se pueden rastrear algunas líneas generales del arte del período contemporáneo ^{[ nota 5 ] .}

En pintura, a partir de la década de 1950 , algunos artistas centraron sus investigaciones en el acto físico de pintar y produjeron obras abstractas pintando, goteando o proyectando color sobre el lienzo. La estructura de la pintura resulta entonces de la intuición del artista, pero también de los diversos comportamientos del color (gotas, etc.). La pintura aparece entonces como un momento irreflexivo e impulsivo de la existencia y la obra es un testimonio del cuerpo vivo, en acción y en movimiento en el momento. Este movimiento se llamará tachismo , expresionismo abstracto o pintura de acción en Estados Unidos. Jackson Pollock estadounidenseserá particularmente notado por esta técnica. Recuerda a la caligrafía china en su búsqueda de una efusión rápida y espontánea ^{[ 38 ]} .

Muchos artistas contemporáneos quedan fascinados por los efectos de "  textura  " y renuncian al uso de la pintura por otros materiales, en producciones que a veces se encuentran a medio camino entre la pintura y la escultura. El Op Art , en particular con Vasarely , presta especial atención a la interacción de formas y colores destinada a producir sensaciones de relieve o movimiento ^{[ 38 ]} . Aún más cerca de nosotros, en la década de 1960 , el Happening , el Fluxus , ( Joseph Beuys , Wolf Vostell , Nam June Paik ), y el Video Arte. El Pop Art utiliza símbolos populares y tiene en cuenta la influencia de la publicidad , las revistas, los cómics y la televisión en las sociedades de consumo . Utilizando técnicas industriales, cuestiona el principio de singularidad de una obra de arte. Así , Andy Warhol reproduce la suya por cientos, a veces incluso por miles.

De manera más general, el arte contemporáneo está atravesado por los conceptos y temas que agitan a la sociedad contemporánea: la desmaterialización de la obra ( Yves Klein ), la ecología profunda ( Hundertwasser ), la propaganda visual y la publicidad ( Warhol ), la empresa de la obra de arte o viceversa. ( Hybert ), la fascinación por la revolución técnica y la biotecnología ( Eduardo Kac ), la cirugía estética y la recreación corporal del yo ( Orlan ).

Sin embargo, la frenética carrera por la novedad y el triunfo del modernismo llevaron a los inconformistas a una contradicción: “¿Era necesario ser inconformista como los demás? ^{[ 39} ] Esto quizás explique por qué desde finales de la década de 1970 asistimos a ^un retorno a lo figurativo y a la aparición de otra actitud, más que un estilo (todavía) nuevo, a veces denominado posmodernismo . La era posmoderna es una oportunidad para la multiplicación de movimientos y tendencias artísticas: ( Apropiación , Mala Pintura , Figuración Libre , Neo-geo , Transvanguardia , Body Art ,Arte digital , Bioarte, Netart , Estética relacional, Arte urbano , Ciberarte , etc.

Jean Prouvé (1901-1984), es un arquitecto y diseñador autodidacta francés. Durante la década de 1930 colaboró ​​con el estudio de arquitectura dirigido por Marcel Lods y Eugène Beaudouin en edificios considerados precursores de la arquitectura moderna en Francia: la Cité de la Muette en Drancy o la Maison du peuple en Clichy. . También productor de muebles, sus creaciones de "esculturas en el espacio cotidiano" -sillas, camas Antony, librerías, escritorios Compas- son ejemplares y figuran hoy entre las más populares del siglo XX ⁽  una butaca Kangaroo se vendió por 152 € , una librería puede valer hasta 160.000  € ).

El escultor Remus Botarro (nacido en 1946, en Rumania), trabaja en Viena y París . Autor de monumentos públicos en varias capitales de Europa, es también el inventor del concepto al que dio el nombre de “el Hábitat del Futuro”; el concepto Botarro consiste en transformar el espacio inmobiliario habitado en una obra de arte única en su creación, en armonía y en estrecha relación con su ocupante, otorgándole así un valor excepcional.

Oceanía

El arte de Oceanía incluye las producciones, antiguas o contemporáneas, de los pueblos de Melanesia , Micronesia , Polinesia , así como las de los pueblos tradicionales de Australia y Nueva Zelanda y otras islas del Pacífico . Por otra parte, no clasificamos en esta categoría las producciones de artistas australianos y neozelandeses de origen occidental ^{[ 40 ]} .

Su historia comienza cuando la primera oleada de inmigrantes, procedente del sudeste asiático , se instaló en Australia y Nueva Guinea, probablemente hace unos 50.000 años. Las obras de arte más antiguas que se han encontrado de ellos son figuras de piedra, morteros y majas decoradas con motivos zoomorfos mezclados con figuras antropomorfas ^{[ 40 ]} .

Alrededor del 1500 a. J.- C. aparece la civilización Lapita ⁽ del nombre de un yacimiento arqueológico de Nueva Caledonia ) ^{41 .} Es una civilización original, en particular por sus decoraciones en cerámica, que parece haber aparecido en las islas Bismarck , en el noreste de Nueva Guinea . Se asocia con los pueblos austronesios que iban a conquistar la lejana Oceanía desde la cercana Oceanía , dando lugar al grupo lingüístico de Oceanía.. Se han encontrado varios cientos de sitios arqueológicos de lapita en un área que se extiende desde Nueva Guinea hasta las Islas Samoa (Archipiélago de Bismarck, Islas Salomón, Vanuatu, Nueva Caledonia, Fiji, Tonga, Samoa, Wallis y Futuna).

En cada archipiélago, esta cultura se ha adaptado a su entorno particular y ha conocido su propia evolución, pero no por ello ha perdido su unidad. Todas las islas del Pacífico han conservado así una cierta homogeneidad cultural ^{[ 40 ]} .

En Australia

Los aborígenes son pintores destacados , sobre corteza en los Territorios del Norte del norte , sobre tela y lienzo en la parte central del desierto. Actualmente reconocido como bellas artes, además de ser utilitario y decorativo, se cree que el arte indígena australiano es la tradición artística continua más antigua del mundo. Los ejemplos más antiguos de expresión artística tienen más de 30.000 años ^{[ 42 ]} .

Hay tres patrones regionales de arte aborigen australiano . Primero: figuras geométricas grabadas, como círculos, círculos concéntricos, arcos, huellas de animales y puntos, en Australia Central , Tasmania , Kimberley y Victoria . El segundo es el modelo figurativo simple de figuras pintadas o grabadas que se encuentra en Queensland . La tercera forma son las pinturas figurativas complejas, como el arte de rayos X , que muestra los órganos internos de humanos y animales. Estos son comunes a la región de Arnhem Land ^{[ 42 ]} .

Los dibujos y figuras que pintan tienen todos un significado muy específico ligado a la mitología de los sueños y pueden asimilarse a una forma de escritura. Con la excepción de las pinturas rupestres, la mayoría de las obras aborígenes fueron efímeras: pinturas corporales, dibujos de arena, pinturas de plantas en el suelo.

A partir de la década de 1970 , los aborígenes se acercan a la pintura acrílica sobre lienzo. Las obras aborígenes suelen evocar el tiempo de los sueños que relata el mito de la Creación según su cultura. Este movimiento artístico, el Movimiento de Arte del Desierto Occidental , se convirtió en uno de ^los  movimientos artísticos más significativos ^del siglo ^{XX .} En 2007 , el cuadro Earth's Creation de Emily Kame Kngwarreye se vendió por el equivalente a 671.000 euros.

Se pueden encontrar ejemplos de arte rupestre en parques públicos e incluso en las principales ciudades: como el Parque Nacional Ku-ring-gai Chase en Sydney . Los parques nacionales de Uluṟu-Kata Tjuṯa y Kakadu , en el Territorio del Norte , están clasificados en la lista de la UNESCO como patrimonio cultural y presentan una historia de técnicas y comportamiento ilustrada por pinturas ^{[ 43 ] , [ 44 ] , [ 45 ]} .

Australia ha producido muchos artistas notables de las tradiciones occidentales e indígenas desde 1788. La santidad de la tierra es un tema común que se encuentra en ambas historias del arte. Los orígenes del arte de Australia Occidental a menudo se asocian con la Escuela de Heidelberg de las décadas de ^{1880 y} 1890 ^. Artistas como Arthur Streeton , Frederick McCubbin y Tom Roberts se han esforzado por dar una imagen más real de la luz en Australia. Australia ha tenido una importante escuela de pintura desde los primeros días de la colonización europea y cuenta con pintores de reputación internacional. Podemos citar: el Surrealismo deSidney Nolan , Arthur Boyd y Russell Drysdale  ; la vanguardia de Brett Whiteley  ; los pintores/escultores William Dobell y Norman Lindsay  ; los paisajistas Albert Namatjira y Lloyd Rees , así como el fotógrafo moderno Max Dupain . Cada uno ha ayudado a definir el carácter de las ^artes visuales ^{australianas .}

teorías del arte

Teorías clásicas: estética

La filosofía del arte designa tanto el interés casi constante de los filósofos por el arte desde la Antigüedad como una disciplina más o menos concebida como autónoma desde finales ^del siglo  XVIII ^{[ 48 ]} . Para el historiador de la filosofía Michel Blay, conviene distinguir dos aproximaciones a la filosofía del arte. Por un lado, abarca todo el corpus de textos filosóficos que, desde la Antigüedad griega, abordan la cuestión de la estética (desde Platón hasta Kant en definitiva); por otro lado es la disciplina nacida con Schelling a principios  del siglo ^XIX .

La aportación de la antigüedad gira en torno a la noción de "mímesis", con Platón en el Sofista , y especialmente con Aristóteles, en su Poética . La mimesis es , según él, el arte de representar la realidad; El arte sería pues la representación de lo real y lo Bello. Sin embargo, es con el abandono del concepto de mimesis que “surge en Kant la primera teoría del arte como actividad del genio” . Además de distinguir las distintas artes, Kant permite desplazar el principio íntimo del carácter artístico hacia el polo de la recepción, asimilándolo a la idea estética como expresión del entendimiento y la imaginación.

En su curso titulado Filosofía del arte (1802-1803), Schelling rechaza el nombre de estética y anuncia que sólo la filosofía es capaz de desarrollar una “verdadera ciencia del arte” . Un autre grand nom concernant la philosophie de l'art est celui d' Hegel , qui, dans son Esthétique (1828-1829) montre que le but de cette discipline est le Beau et l'Art, entendus comme distincts de la religion et de la filosofía. El período moderno está dominado por dos grandes corrientes ^{[ 49 ]} . El primero, representado por Adorno, plantea la cuestión de la autonomía del arte, en particular frente a lo social. Theodor W. Adorno , heredero del pensamiento deKarl Marx , concluye que sin el arte social no puede existir. La segunda corriente es la de la estética analítica. Se plantea el problema de la definición del art. Los usos de la palabra son analizados por Ludwig Wittgenstein mientras que su funcionamiento como práctica es investigado por Nelson Goodman .

El comienzo del siglo XVIII ^vio  surgir una conciencia del arte, como el siglo anterior había revelado la conciencia del sujeto. Nacida de la modernidad filosófica, la estética sigue siendo una disciplina filosófica que, a pesar de sus intentos, no se ha emancipado en la ciencia del arte. Sólo por simplificación aceptamos que la estética ( filosofía de los sentidos y del arte) es una reflexión sobre el arte, porque el objeto de esta reflexión no se da por adelantado. De hecho, son las propias prácticas artísticas las que se han vuelto reflexivas y hoy en día es casi imposible separar la obra de arte del discurso en el que se basa:“estético” y “artístico” son dos adjetivos prácticamente intercambiables ^{[ref. necesario]} .

Sin embargo, el origen del término, está en Alexandre Baumgarten , el autor a quien la estética debe su nombre, quien la había considerado “arte estético” ^{[ 50 ]} . Según su idea, la belleza brindaba la oportunidad de que el conocimiento sensible alcanzara su perfecta realización: un arte de la belleza era el equivalente de la teoría construida sobre la causalidad. Se efectuó una mediación por este tercer término, “belleza”, introducido entre el arte y la estética.

Así como el ojo moderno se ha ejercitado descubriendo cierto arte primitivo, la estética ha descubierto precursores en los autores antiguos. Por ejemplo , el diálogo de Platón Hipias Major lleva tradicionalmente el subtítulo De la belleza y se ha convertido en un texto canónico de estética. Por lo tanto, no sorprende que anticipe ciertas cuestiones que todavía se debaten hoy. Textos de civilizaciones no europeas también pueden ser objeto de tal lectura y, de esta manera, también reconstruimos, por ejemplo, una estética china o india.

Mientras el arte se concibió como una actividad regulada, no se planteó la necesidad de un sistema para juzgar sus resultados. Es solo retrospectivamente que las diversas artes poéticas escritas desde la antigüedad se han vuelto representativas de una estética normativa. The Querrel of the Ancients and the Moderns muestra que, de hecho, se percibía bien el carácter convencional de las normas o reglas. El primer borrador de la estética fue un intento de naturalizar el arte, y esta tentación sigue viva.

Es a Immanuel Kant a quien debemos la solución de compromiso que, de una forma u otra, está actualmente en marcha. Según su idea original, “genio es la disposición innata de la mente por la cual la naturaleza da las reglas al arte” ^{[ 51 ]} . Si la belleza, o más bien la idea de belleza, atemporal y universalmente válida, ligaba el arte al discurso que le concierne, la innovación (artística o estética) plantea un problema. Aceptar la aparición de genios, definidos por su “talento natural”, abre el camino al cambio; el arte sigue siendo una actividad sujeta a ciertas reglas, pero estas pueden cambiar. La estética reducida por Baumgarten a la percepción se convierte en juicio sobre lo percibido.

Sin embargo, este juicio no se basa en conceptos definidos. La “Belleza” es universal sin concepto. Básicamente, esto significa que es el trabajo brillante el que da una nueva visión de la "Belleza". La obra bella no es reducible a un concepto, sino que constituye una Idea estética, que da que pensar, aunque sólo es accesible por la intuición y, por tanto, trasciende la comprensión. Kant interpreta el sentimiento estético como el fruto de una relación inconceptualizable entre nuestras facultades, la intuición, la imaginación y la razón. Esto significa que la "Belleza" está enraizada en la unidad profunda de la persona humana, a la que la experiencia no tiene acceso. Además, y Hegel lo criticará, Kant otorga una primacía de la “Belleza” natural sobre la Belleza artística. O mejor, el genio humano es parte de la naturaleza. Finalmente Kant no resume el valor de una obra de arte a la belleza únicamente, ya que desarrolla un análisis de lo sublime. Sublime es lo que va más allá de la imaginación humana y por lo tanto suscita una reacción de la inteligencia tanto como de la voluntad humana. Por grande o poderosa que sea una realidad de la naturaleza, la superamos por la Idea de infinito, y sobre todo por nuestra resolución moral.

Del enfoque kantiano se puede derivar buena parte de las visiones y prácticas artísticas posteriores. Destaca la idiosincrasia de los aceptados por un sector de la sociedad como grandes artistas, la transgresión concebida como un acto estético, o los manifiestos y demás programas a través de los cuales se afirman los movimientos artísticos modernos ^{[ nota 6 ]} .

Esta forma de proceder estableciendo un tercer término, belleza, genio, cultura u otro, entre lo que se llama "arte" y lo que se llama "estética" logra a lo sumo posponer el problema, porque en cada momento la pregunta vuelve; ¿Qué es la belleza, el genio o la cultura? ¿Cómo estamos de acuerdo en la validez de la respuesta? Ya sea que el arte ofrezca sus obras a una estética o que la estética circunscriba el dominio del arte, hay una circularidad que es difícil de evitar sin apelar a las dimensiones históricas y sociales de estos fenómenos.

teorías modernas del arte

Sin que la distinción sea clara, se puede argumentar que las teorías del arte tratan este tema de una manera más general que la estética. Por ejemplo, una teoría sociológica del arte ha sido propuesta por Pierre Bourdieu ^{[ 52 ]} , una teoría semiológica por Nelson Goodman ^{[ 53 ]} , etc. El mismo autor a veces presenta ambos enfoques, por ejemplo Hegel que considera la estética en un curso especial, mientras que su filosofía afirma que el arte es una forma perdida ^{[ 54 ]} .

El proyecto inconcluso de Theodor W. Adorno apareció bajo el título Aesthetic Theory . Un punto útil de distinción es señalar que una estética puede ser normativa, lo que no puede ser una teoría. El enigma del arte, que le es propio, se encuentra hoy siendo también objeto de estudio del mismo en la contemporaneidad:

“Todas las obras de arte, y el arte en general, son enigmas. El hecho de que las obras digan algo y al mismo tiempo lo oculten, coloca al personaje enigmático bajo el aspecto del lenguaje . (...) El ejemplo típico de esto es que, antes que todas las demás artes, la música, que es a la vez un enigma y una cosa muy obvia. No hay nada que resolver, solo es cuestión de descifrar su estructura. Pero el personaje enigmático no es la última palabra de las obras; por el contrario, toda obra auténtica ofrece también la solución a su enigma insoluble ^{[ 55 ]} . »

El único punto en el que las teorías del arte están de acuerdo es que es un hecho humano y una práctica social. Dos grandes alternativas son posibles según se le otorgue a esta práctica un rol subordinado o autónomo. Considerar la subordinación es un enfoque reduccionista; generalmente propone una visión del arte como comunicación - representación o expresión. En la autonomía, que comparamos con la del juego, el arte se propone como una "actividad autotélica", es decir, sin otro fin que él mismo, lo que se resume en la famosa fórmula del "arte por el arte". Los artistas y quienes gravitan en torno al arte tienen buenas razones para defender concepciones de este tipo y sus estrategias teóricas suelen recurrir a una de dos opciones opuestas:obras de arte , pero no “de arte” ^{[ 56 ]} . Los reduccionismos, principalmente de otros orígenes, generalmente sostienen que es por exageración que se llega a estas visiones limitantes.

Entre los filósofos contemporáneos, Martin Heidegger ^{[ 57 ]} dice que escucha al arte ya los artistas para dejar que se diga algo sobre su enigma. Al hacerlo, se orientó en una meditación sobre “  El origen de la obra de arte  ” , que no debe entenderse como una búsqueda del pasado sino como la afirmación de que el arte es en sí mismo origen y creación del mundo. Este trabajo va de la mano con una destrucción de toda tradición.

Para Guy Debord , la sociedad capitalista de consumo se ha convertido en el ^siglo XX en  una sociedad de publicidad, imagen y representación a la que denomina sociedad del espectáculo. El artista tiene aquí un papel especial; o bien puede contribuir a la proliferación infinita y alienante de nuevas imágenes, perpetuando de hecho activamente el modelo, o puede contraponerse a una actitud crítica .

Una forma de interacción e intercambio.

Hoy el arte establece una relación que permite incluir en una misma interacción, en un mismo intercambio, una obra, su creador y el receptor, el destinatario de esta obra (espectador, oyente, etc.) ^{[ 58 ]} . Las diferentes formas que puede tomar esta mediación concretan ciertas relaciones entre el hombre y la naturaleza , es decir, entre un espíritu humano y su entorno. Un pensamiento que es a la vez consciente e inconsciente, individual y colectivo, un espíritu libre e imaginativo se comunica con el mundo exterior . Hegel , en sus Lecciones de estética , intentó definir la trascendencia de esta relación postulando a priori, que: "La belleza artística es superior a la belleza en la naturaleza [ya que] libera de las formas ilusorias y engañosas de este mundo imperfecto e inestable la verdad contenida en las apariencias, para dotarla de una realidad superior creada por la mente misma ^{[ 59 ]} . »

Busca la verdad detrás de la apariencia. ¿Podemos imaginar una finalidad más cautivadora? El arte se convierte entonces en la extensión de la acción. Esta filosofía de la acción, desarrollada en particular por Hannah Arendt ^{[ 60 ]} , surge cuando el gesto artístico se convierte en la experiencia de una determinada relación. De modo que el arte no busca imitar ni reproducir, sino traducir una realidad metasensible. Entonces puede sacar lo espiritual en el campo de la experiencia común.

La forma como dinamismo de lo sensible

Al menos en el arte, la forma no es, por tanto, un principio extraño al contenido, y que se le imprimiría desde fuera, sino la ley de su desarrollo, que se ha vuelto transparente. No es pensada por el espectador, lo que significaría que es del orden del concepto, y por tanto ajena a la percepción misma, que no se da a ver.

Paul Valéry podría escribir que “la bella arquitectura viene de la planta. La ley del crecimiento debe sentirse. Asimismo la ley de aperturas. – Una ventana no debe ser un agujero perforado como un cigüeñal en un tablero, sino ser como la culminación de leyes internas, como la mucosa y los contornos de los orificios naturales”.

Antes de ser transcrita a la notación, la melodía existe como el despliegue mismo del sonido, la explotación de ciertas posibilidades insospechadas de este material. El color no llena el espacio impresionista, sino que es su vibración. La poesía no consiste en imponer un significado preestablecido a la lengua ni en producir bouts-rimés. Más bien deja la palabra a las propias palabras, como si no fuera el discurso de nadie. Se trata de revelar un movimiento inherente a una dimensión sensible del mundo . El arte muestra cómo se engendra lo sensible: la mirada del pintor pregunta a la luz, a las sombras, al color "¿Cómo hacen para hacer de repente algo, y esta cosa?" ( El ojo y la mente ,).

Los principales temas de reflexión sobre el arte.

Arte y atención a lo sensible

Por lo tanto, el arte no se contenta con copiar la naturaleza. Sin embargo, él no se aparta de ella, sino que vuelve a la fuente. En la pintura de Cézanne , nos recuerda Merleau-Ponty , nunca se trata del color como simulacro de los colores de la naturaleza, sino de la dimensión del color, donde se unen nuestro cerebro y el universo. El artista es sensual, le gusta captar la propia personalidad, el rostro de las cosas y de los materiales, como el pedacito de muro amarillo del que habla Proust en relación con Vermeer .

Es precisamente porque la naturaleza muerta no es la manzana, sino la representación de la manzana, que por primera vez puedo verla en vez de pensarla o morderla, considerando su aspecto, y no su esencia o su utilidad. Es en este sentido que el arte desrealiza su objeto, como señala Jean-Paul Sartre ^{[ 61 ]} , siguiendo a Kant. El mar es para el pintor impresionista una superficie coloreada, una apariencia, y no el medio de vida de los organismos marinos. En ¿Qué es la literatura?, el mismo Sartre puede, sin contradicción, mostrar que es la poesía la que por primera vez constituye la palabra en objeto, en cosa, cuando antes era sólo un órgano de exploración del mundo, como las antenas de los insectos.

Es que “el arte de ver (en el sentido de dibujar y pintar) se opone al ver que reconoce objetos” ( Paul Valéry ). Lo visible también es sensual: así mantenido a distancia, sin embargo brilla con los fuegos de nuestros propios deseos.

Estar atento a lo sensible es también, como nos invita a hacer Henri Focillon en su Vida de las formas (1934), estudiar las posibilidades específicas de un material, como la madera, la piedra, el hilo de tinta en la caligrafía . Sin embargo, tomemos la palabra “material” aquí en un sentido más amplio: la arquitectura gótica está hecha tanto de luz, o verticalidad, como de piedra. Desde un punto de vista estético, el tiempo y el espacio en sí mismos son la materia de la experiencia, como un lenguaje la materia del pensamiento. Estas no son solo formas abstractas. Y, por supuesto, el arte no se contenta con explorar los fundamentos de la experiencia sensorial, se nutre del conocimiento íntimo de esta lógica, o de esta geometría,

Artes y espectáculos

La noción de “  representación  ” depende de la pregunta que se plantea al inicio de la problemática y al inicio del arte mismo. Adquiere un significado muy especial si queremos captar el significado de la obra de arte , y su relación con la belleza. La obra de arte es una forma de “re-presentación”, es decir, presenta la realidad del universo de otra manera. La obra de arte no vive de su relación más o menos adecuada con la realidad, sino de los afectos que produce; por ejemplo, las pinturas de Munch no representan una forma de tristeza, sino que producen un sentimiento, una emoción, que para unos se llama tristeza, para otros abominación. Tal vez sea porque es productora. universo  ”, que la obra de arte es bella (el arte contemporáneo es bello cuando te has ceñido a la iniciación que el artista busca brindar). O bien, como hace Arthur Danto , hay que descartar la belleza que, para los antiguos, era sólo un criterio de conformidad de la obra con los juicios estéticos. Así lo explica, a través del análisis de ciertas obras contemporáneas ^{[ 62 ]} .

Esta es la gran dificultad de las artes de nuestro tiempo: a menudo están unidas por direcciones y experimentos intelectuales que no se pueden leer directamente y sin conocer su génesis: son páramos de descubrimientos que tal vez se conviertan en verdaderas obras a los ojos de las máquinas humanizadas. (posfuturismo) .

Jamás se comprende una obra joven sin haber asimilado su genealogía. Sin embargo, se notará que el término “arte” se aplica demasiado comúnmente a cualquier mediatización espectacular, y esto en su detrimento.

Las mediaciones artísticas van más allá y trascienden todos los problemas del conocimiento del mundo . El estudio de los fenómenos físicos y la evolución de las tecnologías juegan un papel importante, ya que a menudo influyen en las herramientas de creación. La experimentación artística, paralela a la experimentación científica, forma así la base para el desarrollo de una nueva estética, apoyada en el lugar creciente de las técnicas en la vida cotidiana.

El arte podría, por tanto, servir para reproducir conceptos eternos concebidos o imaginados por la sola contemplación . El origen del arte proviene del conocimiento de las ideas y las cosas, pero trasciende este conocimiento para presentarlo de otra manera, convirtiéndose así en representación. Si efectivamente el arte se marca objetivos (lo que por supuesto va en contra de su naturaleza), uno de los objetivos sobresalientes del arte sería por tanto comunicar el conocimiento profundo adquirido no solo por los sentidos , sino también por la mente. . El arte de la pura imitaciónsiempre estará muy lejos de la verdad: la obra no puede ser tan bella como la cosa real; es de otro orden, y sólo captará una parte muy pequeña de él. La imitación de la naturaleza nunca traduce su nivel de belleza , mientras que la representación artística revela un absoluto propio del artista, una verdad de nuestro espacio natural e inimitable por personal.

Imitación y representación

Pero esta producción no es necesariamente de carácter voluntario. A diferencia de otras producciones humanas, el acto de creación suele estar fuera del campo de la conciencia . Nos permite acceder a una comunicación de lo espiritual, lo universal, lo atemporal. Nietzsche también creía que el arte debería servir para enmascarar o embellecer todo lo que ^es feo en la ^{naturaleza humana .} Sin embargo, hoy, ciertas artes nacidas de la modernidad, como el cine , buscan tanto embellecer la naturaleza humana como resaltar toda su oscuridad con la esperanza quizás de extraer las semillas de la incomprensión y la intolerancia.

El cine, en el límite del arte, da credibilidad al ver cotidiano, que actualiza, como la novela, pero de manera más restringida, una experiencia humana que de otra manera no podríamos descubrir.

Esta lógica conduce al arte hacia una necesidad, experimentada desde dentro por el artista. La música , más que “el arte de organizar los sonidos” refleja la expresión de un “otro” ente sonoro, de una forma de comunicación irreal y no conceptualizable ; es una imaginación total, que reúne tanto nuevas representaciones como una nueva concepción de su construcción. Como las demás artes, expresa lo racional y lo irracional, pero partiendo del mito o la magia.

Todos los procesos creativos operan, a través del espíritu mismo que los guía, una catarsis que garantiza una superación de los límites impuestos al conocimiento del mundo . La simbiosis sensorial que nutre la acción creadora es sólo la forma elemental de la representación que infiere lo imaginario.

Como un enfoque diferente, más orientado hacia el espíritu que hacia el pensamiento, el arte debe conducir inevitablemente a la extensión del trabajo de carácter dominante y confinado a las transformaciones evolutivas. Intentando liberarse de estos límites del pensamiento humano, el arte redescubre la sustancia espiritual, casi mística, casi mágica de la creación. Este deseo de saciar nuestra sed de conocimiento no es necesariamente enfermizo. El mito y la magia no son fundamentalmente escapatorias a la falta de racionalidad de los acontecimientos que nos rodean, aunque sean, para algunos, admisiones de debilidad, limitaciones transfiguradas.

A veces también pueden marcar la búsqueda de una espiritualidad ausente . El arte, en cambio, es siempre una necesidad para expresar el mundo de esta manera. No busca sustituir la realidad por otra entidad de mejor consistencia; tampoco busca transgredir los límites inherentes a nuestra naturaleza, sino que busca trascenderlos. El arte busca utilizar el mundo de los sentidos para entrar en un mundo del espíritu , o tal vez incluso el del alma . Al hacerlo, el arte busca lo inmanentedetrás del pie. Intenta demostrar que el potencial humano no se reduce a la transformación, sino que ha conquistado la dimensión de la creación.

Fuentes

Calificaciones

Referencias

obras usadas

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Ver también

Artículo relacionado

• Letras

Bibliografía

así como referencias en Arte Primitivo , Historia Cultural , Antropología del Arte , Economía de la Cultura , Enseñanza del Arte , etc.

Obras fundacionales

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Ejemplos de catálogos de exposiciones

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Debates

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• (fr) Jean-Michel Lucas, Repensar el lugar del arte y la creación en la sociedad y entre la población (Seminario en las Halles de Schaerbeek) , Bruselas, Sitio http://www.irma.asso.fr/ Jean-Michel-Lucas -Doc-Kasimir irma.asso.fr,2008, 12 p. (lire en ligne)

• (fr) Christophe Domino (dir.) et al., Sur l’art et les moyens de son expérience. Pourquoi, comment rendre contemporain l’art ? Éléments de réflexions sur les outils de transmission (Entretiens), Paris, Site http://newpatrons.eu newpatrons.eu, 2005 (1^re éd. 2002), 76 p. (lire en ligne)
• (fr) Françoise Bardon, Petit traité de picturologie, Paris, Esthétique cahiers, 2000, 40 p. (ISBN 978-2-911105-32-6, BNF 37097257, lire en ligne)
• (fr) Allain Glykos (introd. de Baudouin Jurdant), « Une affaire peut en cacher une autre [À propos de l'affaire Jean Clair] », Alliage (culture, science, technique), Nice, ANAIS (diff. Seuil), n^os 35-36 « Impostures scientifiques. Les malentendus de l'affaire Sokal »,‎ 1998, p. 293-313 (ISSN 1777-5515 et 1144-5645, lire en ligne)
• (fr) Jean Gimpel (préf. Philippe Delaveau), Contre l'art et les artistes [ou La naissance d'une religion], Paris, Éd. universitaires, nouv. éd. augm. 1991 (1^re éd. 1968), 144 p. (ISBN 978-0-7486-6123-7)

Liens externes

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• Notices d'autorité :

  • Bibliothèque nationale de France (données)
  • Bibliothèque du Congrès
  • Bibliothèque nationale d’Espagne
  • Bibliothèque nationale d’Israël
  • Bibliothèque nationale tchèque
• Adèle Flannery (dir.), Service des bibliothèques > Guides par sujets > Arts visuels et médiatiques, UQAM, Montréal (Québec)
• Art dans la base du Centre national de ressources textuelles et lexicales, Paris
• (en) Thomas Adajian, The Definition of Art, 4. Contemporary Definitions, dans Stanford Encyclopedia of Philosophy, Palo Alto, Stanford (CA), 2007

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